HARVEY MILK

Si c'est demandé gentiment, est-il possible d'annuler les résultats des Oscars et d'attribuer toutes les statuettes à Milk ? Non ? Tant pis. C'est pourtant tout ce que mérite le dernier chef d'oeuvre d'un Gus van Sant qu'on attendait de pied ferme après la fin (provisoire ?) de sa phase cotonneuse et contemplative, à savoir Gerry - Elephant - Last days - Paranoid Park. Plus classique en apparence, Harvey Milk est un grand film humaniste sur la force des convictions, le prix de la persévérance, l'éducation à l'ouverture. Autant biopic que film politique, il déroule une huitaine d'années de l'existence de cet ancien assureur qui passe un jour à l'action pour défendre la cause homosexuelle. Partant de l'idée que faire évoluer les mentalités dans un quartier de San Francisco permettra de changer les choses à plus grande échelle, il est d'abord militant, avant de briguer des mandats politiques qui pourraient lui permettre de faire réellement avancer le pays. La beauté de ce parcours réside dans le fait que la quête de Milk est tout à fait sincère et naturelle, dénuée de tout calcul et de toute ambition personnelle. S'il lui faudra pratiquer çà et là un peu de politique politicarde, c'est toujours au service d'une et une seule cause.
Admirable en tous points (mais pas sanctifié pour autant), Harvey Milk est un personnage ô combien charismatique, que seul pouvait incarner un acteur de la trempe de Sean Penn. On sait combien ce formidable artiste peine parfois à sa maîtriser, quitte à en faire trop ; dirigé par un Gus van Sant que l'on sent toujours à l'écoute, il est juste parfait. Son Milk respire l'intelligence, la sensibilité, ainsi qu'un bonheur permanent à défendre ce à quoi il croit. C'est d'ailleurs le cas de la plupart de ceux qui l'entourent, tel le jeune activiste Cleve Jones, incarné par un Emile Hirsch plus renversant que jamais. Le reste du casting est uniformément bon, masculin à 99%, le scénario ne manquant pas d'épingler le léger mépris de beaucoup de ces militants gays à l'encontre de lesbiennes longtemps tenues à distance.
Si Milk est à placer un cran au-dessus de toutes les biographies politiques, c'est sans doute car, au-delà de la force de l'interprétation et du script, il tire sa force de la mise en scène éblouissante de Gus van Sant. Son style n'est pas immédiatement reconnaissable, mais se distingue par sa façon de tenir le classicisme à distance. Au premier abord, la forme du film n'a rien de vraiment singulier. Et c'est la force de cette mise en scène : montrer autrement, mais discrètement. Livrer une reconstitution très précise, mais sans le dire (seul l'épilogue, en quelques photographies, montrera à quel point les visages, costumes et décors ont été respectés). Rendre les discours intenses, mais sans les transformer en joutes verbales. Filmer la colère et la tristesse des manifestants, évoquer la probabilité d'émeutes imminentes, mais ne pas faire du Spike Lee. Évoquer à demi-mots l'homosexualité refoulée du superviseur (et futur assassin) Dan White (épatant Josh Brolin). Et défendre les homos sans verser dans le film à thèse. C'est non seulement par ce qu'il est, mais aussi et surtout par ce qu'il ne fait pas que Harvey Milk s'impose comme un chef d'oeuvre, scotchant de la première à la dernière image, émouvant jusqu'au bout, de ceux qui vous accompagneront longtemps, indépendamment de votre orientation sexuelle.
10/10

(autre critique sur L. aime le cinéma)

DÉLIRE EXPRESS

Jeune cinéaste très sérieux, David Gordon Green s'est laissé convaincre de réaliser ce Pineapple express, stoner movie à la sauce Apatow. Pourquoi pas, après tout : il parvient à insuffler au film son sens du rythme ainsi qu'une certaine inventivité visuelle. Voilà l'atout majeur du film, un peu plus percutant que la moyenne des oeuvres fleurant l'herbe de part en part. Reste qu'une fois de plus, Délire express (titre français idiot) n'a pas de quoi figurer au rang de comédies de l'année, comme aiment à le hurler régulièrement tous ceux qui prennent Will Ferrell ou Judd Apatow pour les rois Midas du cinéma comique.
Il y a évidemment un paquet de scènes amusantes, notamment au début, les personnages principaux étant en permanence sous l'emprise de produits légèrement stupéfiants. Il y a également un certain nombre d'acteurs convaincants, notamment un surprenant James Franco et l'inconnu Danny R. Mc Bride en boulet de service. Une pléiade de dialogues réussis viennent nous rappeler que Seth Rogen, Evan Goldberg et leur bande sont tout sauf des manchots. Mais voilà : manque le "délire" du titre, qui aurait fait de ce film autre chose qu'un trop long moment à passer (1 heure 50 !), tellement ancré dans la loser attitude qu'il en devient parfois déprimant. C'est souvent l'effet que produisent les productions Apatow lorsqu'elles ne sont pas assez hilarantes : elles rendent un peu stone, déconfit par toutes ces promesses une nouvelles fois pas tenues. Un conseil : relouez-vous Eh mec ! elle est où ma caisse, voire même un Harold & Kumar, enfermez-vous chez vous et savourez. Ce sera plus rapide, et également plus efficace, que ces presque deux heures d'un trip franchement moyen.
6/10

THE DEAD GIRL

Qui dit film indépendant et casting foisonnant dit grosse curiosité, puisque autant de bons acteurs dans un si "petit" film ne peut qu'être une bonne nouvelle. D'où une certaine déception devant The dead girl, drame en cinq actes indépendants qui commence plutôt bien avant de s'effondrer en cours de route.
Le principe est simple : raconter l'histoire de cinq femmes liées de près ou de loin à la découverte du cadavre d'une jeune femme dans un champ. Cela commence par l'étrangère qui découvre le corps, et se terminera par la description des dernières heures de la victime. Cinq histoires liées à un même fait divers, mais racontées séparément, comme cinq courts-métrages juxtaposés. Une idée qui a déjà fait ses preuves par le passé, à condition de disposer d'un solide canevas polardeux ou d'histoires vraiment passionnantes. Le problème de Karen Moncrieff, c'est qu'on la sent très nettement perdre son inspiration à mesure que les scènes s'enchaînent. Ainsi, le premier segment (avec Toni Collete et Giovanni Ribisi) est le meilleur, et la qualité décroît ensuite de façon régulière. À tel point que les deux dernières parties tombent dans le sentimentalisme et le schématisme.
Dommage : la mise en scène efficace et une direction d'acteurs irréprochable aurait pu permettre au film d'atteindre des sommets. Ça aurait sans doute été le cas si The dead girl avait été à l'unisson de son premier segment, histoire sordide et glaçante mais traitée avec une grande justesse par une artiste dont on devine sans peine qu'elle possède un grand talent de portraitiste. Lui reste désormais à consolider son sens de l'intrigue et à ne pas se laisser emporter par ses travers larmoyants. On peut y croire.
5/10

DANS LA VALLÉE D'ELAH

La vallée d'Elah, c'est cet endroit où David le riquiqui vint défier Goliath et, prenant le dessus sur sa peur, terrassa le géant d'un coup entre les deux yeux. L'occasion pour Paul Haggis d'organiser une réflexion autour de la peur et de la condition de l'homme, qui peut devenir quelqu'un de radicalement différent après avoir vécu une guerre. Ce bouleversement est profond, bien plus que ce qui est habituellement décrit dans les films hollywoodiens, et s'il est bien difficile d'imaginer cela sans avoir soi-même été au combat (je touche du bois), Haggis retranscrit bien ce dacalage entre l'avant et l'après. "Vous n'avez pas fait la guerre, vous ne pouvez pas comprendre", balancent quelques militaires à une Charlize Theron pleine de bonnes intentions. C'est vrai, mais Dans la vallée d'Elah permet tout de même d'aborder quelques pistes.
À travers une enquête policière (lui-même ancien militaire, Tommy Lee Jones cherche qui a massacré son fiston à son retour d'Irak), Haggis décrit les ravages faits par la guerre en général, et celle-là en particulier. Dépeint sans parti pris le côté "grande muette" de l'armée, qui fait passer l'honneur et les règles avant l'humain. Et organise le deuil d'un homme partagé entre un amour très républicain pour sa patrie chérie et le chagrin d'avoir perdu ses deux fils à cause de la guerre (de façon directe ou non). Dans le rôle de ce père courage mais borderline, Tommy Lee Jones fait des ravages. Son visage impassible et buriné colle parfaitement à l'idée que l'on se fait de l'ancien soldat qui dissimule ses émotions coûte que coûte, et ce jusqu'à la rupture. Adouci par quelques contacts avec une épouse détruite (Susan Sarandon, dans un second rôle très en retrait) et une fliquette appliquée et consternée par un quotidien sordide (Charlize Theron, grande actrice quand elle veut), Jones est juste magnifique. Le film étant passé un peu inaperçu, l'Oscar ne sera sans doute pas pour cette fois. C'est bien dommage.
8/10

SPIDER-MAN 3

Plus vite. Plus haut. Plus con. Tel devait être le credo de ceux qui ont osé faire Spider-man 3, la bonbonne d'eau qui fait déborder un vase déjà bien plein. Plus de méchants, plus de passion, plus de tout, et donc plus de rien. Le respectable Sam Raimi et son frangin signent un scénario patchwork qui introduit un tas de nouveaux personnages et de nouveaux enjeux, avant de s'en débarrasser dans le premier caniveau venu. On attendait un Spider-man plus noir et torturé, on a finalement l'impression d'assister à un remake de The mask arbitré par les quatre fantastiques.
Après un premier volet centré sur la découverte de son corps et un deuxième qui se focalisait sur son impuissance, ce troisième film est une étape supplémentaire dans l'évolution de Peter Parker. Au programme : maladies vénériennes et drogue à gogo. Puni pour son infidélité, Parker voit son machin devenir tout noir et se met à devenir un gros con sûr de lui après avoir touché de trop près à une drôle de came. C'est à peu près la seule manière d'interpréter ce Spider-man 3 pour qu'il reste un brin ludique et amusant. Car la chair est bien triste ici : les deux tiers du film sont consacrés à des discussions harlequiniennes sur la force des sentiments et la puissance du destin (quand il ne s'agit pas de scènes désespérément sucrées, comme la déjà célèbre "séquence de l'omelette"). Des dialogues d'une mièvrerie totale viennent surligner au marqueur fluo le caractère certes cornélien de situations si simples qu'elles ne devrait nécessiter aucune explication. Et l'on s'ennuie ferme devant ce morne spectacle.
Heureusement, tous les quarts d'heure, Sam Raimi vient réveiller le spectateur en lui martelant le crâne à coups de grosses scènes d'action bien bourrines. Là, on en a pour son argent, même si certains effets numériques sont toujours aussi mauvais. Les confrontations successives de Spider-man avec Sandman et Venom valent leur pesant de cahouètes, mêmes si la profondeur psychologique de ces derniers est inexistante (à côté d'eux, le docteur Octopus faisait figure de monument freudien). Mais, trop occupé à ménager la chèvre et le chou, Sam Raimi ne livre ces scènes qu'avec une parcimonie fort regrettable : à cet interminable épisode des "Feux de l'Amour" version vengeur masqué, on aurait largement préféré deux heures de pains dans la gueule et d'explosions atomiques.
3/10