PRÉDICTIONS

Un film de fin du monde avec Nicolas Cage. Il y a dix ans, cela aurait pu être très alléchant au premier degré, mais une cascade de navets et de compléments capillaires a transformé le pauvre Nick en aimant à moqueries, en prince du nanar friqué. Restait cependant un espoir : la présence derrière la caméra d'Alex Proyas, excellent technicien et solide bâtisseur d'univers (I, robot et surtout Dark city). C'est donc avec un mélange d'appréhension et d'excitation que l'on entre dans ce Prédictions, qui risque en fait de décevoir tous ses spectateurs : qu'on s'attende à un navet délectable ou à un ambitieux film catastrophe, on devra ronger son frein, tant le film de Proyas semble ne jamais choisir son camp. Un gentil petit divertissement hollywoodien, en somme.
C'est en tout cas l'impression que laissent les cent premières minutes, classiques et assez prévisibles, mais globalement bien foutues. Proyas déroule un scénario très eighties qui évente très rapidement son mystère de départ (mais que signifient ces séries de chiffres) pour se concentrer sur des personnages plutôt bien taillés (un veuf et son fils fragile) et sur des situations propices à d'enthousiasmantes démonstrations techniques. Visuellement, c'est un régal : les séquences de catastrophes sont parfaitement exécutées et réellement impressionnantes, ce qui tend à rendre l'ensemble crédible. En découle un suspense assez balisé mais globalement assez efficace, d'autant que le script a le bon goût de ne pas s'attarder sur les lénifiantes questions de la destinée, du libre-arbitre, thèmes évidemment passionnants sauf quand ils sont traités dans un blockbuster.
Dans la peau du héros, Nicolas Cage est relativement convaincant, d'autant qu'il arbore une coupe de cheveux moins aberrante que par le passé. Plutôt bien vu, son personnage soulève des problématiques intéressantes, semblables à celle du Jour où la Terre s'arrêta, mais mieux traitées sur tous les plans. Le tout nous amène vers un dernier quart d'heure plus étonnant que ce qui précède, plutôt gonflé pour un film de cette dimension, et qui arrive à nous faire gober en grande partie ce qui aurait pu n'être qu'un torrent de ridicule. Prédictions va au bout de ses idées, et séduit finalement par sa façon de se détacher progressivement de son postulat (chiffres et catastrophes) pour aller vers autre chose. De quoi prendre un vrai plaisir pendant le film, celui-ci ne faisant que croître à mesure que les bobines s'enchaînent.
6/10

(autre critique sur Sur la route du cinéma)

THE DEAD GIRL

Qui dit film indépendant et casting foisonnant dit grosse curiosité, puisque autant de bons acteurs dans un si "petit" film ne peut qu'être une bonne nouvelle. D'où une certaine déception devant The dead girl, drame en cinq actes indépendants qui commence plutôt bien avant de s'effondrer en cours de route.
Le principe est simple : raconter l'histoire de cinq femmes liées de près ou de loin à la découverte du cadavre d'une jeune femme dans un champ. Cela commence par l'étrangère qui découvre le corps, et se terminera par la description des dernières heures de la victime. Cinq histoires liées à un même fait divers, mais racontées séparément, comme cinq courts-métrages juxtaposés. Une idée qui a déjà fait ses preuves par le passé, à condition de disposer d'un solide canevas polardeux ou d'histoires vraiment passionnantes. Le problème de Karen Moncrieff, c'est qu'on la sent très nettement perdre son inspiration à mesure que les scènes s'enchaînent. Ainsi, le premier segment (avec Toni Collete et Giovanni Ribisi) est le meilleur, et la qualité décroît ensuite de façon régulière. À tel point que les deux dernières parties tombent dans le sentimentalisme et le schématisme.
Dommage : la mise en scène efficace et une direction d'acteurs irréprochable aurait pu permettre au film d'atteindre des sommets. Ça aurait sans doute été le cas si The dead girl avait été à l'unisson de son premier segment, histoire sordide et glaçante mais traitée avec une grande justesse par une artiste dont on devine sans peine qu'elle possède un grand talent de portraitiste. Lui reste désormais à consolider son sens de l'intrigue et à ne pas se laisser emporter par ses travers larmoyants. On peut y croire.
5/10

28 SEMAINES PLUS TARD

Une Angleterre en forme de no man's land, dévastée par un virus zombie : tel était le décor de 28 jours plus tard, errance cahotique au pays des morts-vivants, hommage et coup de jeune offert par Danny Boyle et Alex Garland aux films de George Romero. Il n'était pas illogique que cette brillante relecture donne naissance à une suite. Si un nouveau départ semblait possible pour Cillian Murphy et les quelques survivants qui l'entourent, rien dans le film de Boyle ne donnait de précisions sur le destin du reste du monde. C'est de là que part 28 semaines plus tard : voir comment, ailleurs sur la planète (et d'abord en Grande-Bretagne), s'organise la résistance et la reconstruction d'un univers dévasté.
Après l'intrigant Intacto, Juan Carlos Fresnadillo effectue ses premiers pas hors de son Espagne natale et fait preuve d'une certaine assurance dans sa façon d'aborder le film. L'introduction de 28 semaines plus tard est un hors d'oeuvre alléchant : le metteur en scène nous plonge au coeur d'un drame humain, terrifiant aussi bien par la promiscuité permanente du danger zombie que par l'incertitude totale de pouvoir retrouver un jour un semblant de quiétude. Le père de famille interprété par Robert Carlyle est le parfait représentant de cette angoisse multiple. La caméra bouge dans tous les sens, la tension est palpable, et puis... et puis plus rien.
Car passé ce prologue réussi, la suite de 28 semaines plus tard ne parvient à susciter que l'indifférence la plus totale. Assez inexplicable, car tous les ingrédients étaient là pour assurer le succès artistique d'un tel film. Pourtant, il y a de quoi tiquer, tant sur le fond que sur la forme. Côté mise en scène, Fresnadillo confond souvent vitesse et précipitation, multipliant les mouvements de caméra nauséeux et abscons, liant le tout avec un montage parkinsonien à faire frémir Michael Bay d'envie. Résultat : les scènes potentiellement intéressantes sont souvent gâchées par cette envie trop marquée d'en mettre plein les yeux et de remuer les tripes du spectateur. Entre deux moments de bravoure, le réalisateur ne s'encombre guère, multipliant les plans aériens inutiles sur la ville déserte (façon de dire : vous avez vu comme c'est dur de recréer le no man's land en plein milieu de l'Angleterre?), et souhaite visiblement rentabiliser le thème musical du film, l'utilisant à toutes les sauces dès qu'il souhaite renforcer un aspect dramatique.
Il y a également beaucoup à redire sur le fond, le pourtant rigoureux Alex Garland multipliant les énormités scénaristiques. Un exemple parmi tant d'autres : dans la communauté résistante dirigée d'une main de fer par l'armée anglaise, le plus petit électricien a droit à un joli petit badge pour accéder aux laboratoires les plus dangereux, pendant que ses deux mioches se promènent dans une zone interdite sans que personne ne vienne leur dire quoi que ce soit (ou alors trop tard). C'est au rythme de ces incongruités que 28 semaines plus tard déroule une intrigue plutôt classique et qui joue sur trop de tableaux en même temps, se voulant à la fois philosophique, émouvant et terrifiant. À force de viser dans toutes les directions, on finit par n'atteindre aucune cible, et c'est malheureusement ce qui arrive à un film étonnament décevant, qui ne soulève le coeur qu'à de rares endroits. La conclusion, pour le moins gratinée, risque de provoquer quelques fous rires, notamment dans les salles françaises ; en prêtant l'oreille, on entendra également quelques rires nerveux, émis à l'idée que cette fin ô combien ouverte ne sonne le coup d'envoi d'un troisième volet que l'on devine déjà dispensable.
4/10

SUNSHINE

2001. Solaris. Alien. Sunshine? En le laissant mûrir un peu, en le faisant vieillir pour lui donner du corps, le nouveau Danny Boyle pourrait bien entrer dans le club très fermé des films référence en matière de science-fiction. Le postulat est des plus simples : pour éviter que notre soleil ne s'éteigne définitivement, une équipe de scientifiques est envoyée afin de lui injecter une bombe-suppositoire qui le fera redémarrer. Dit comme ça, on n'est pas loin d'Armageddon. Sauf que dès l'introduction, on comprend que Sunshine n'aura rien à voir avec du Michael Bay. Exposition du problème en cinq minutes, avec la plus précautionneuse des sobriétés. Pas le moindre sensationnalisme, aucune bannière américaine flottant dans le vent avec des pauvres terriens qui pleurnichent en attendant la fin du monde. À peu de choses près, Danny Boyle se refuse à filmer la Terre. Un parti pris aussi passionnant scénaristiquement que fascinant côté mise en scène : directement éclairé par la lumière du roi des astres, Sunshine est un monument d'esthétisme qui ne se contente pas de suivre ses glorieux aînés. Au détour d'un jardin d'oxygène, d'un bain de soleil ou d'un incendie, Boyle livre un spectacle faramineux, beau à couper le souffle, d'une profondeur visuelle infinie. Comme l'un des personnages, on resterait bien là à se gaver de lumière solaire pendant des heures.
Dans Sunshine, la beauté est partout. Pas seulement dans l'image. Le scénario d'Alex Garland même efficacité et concision pour un résultat des plus saisissants. Le corps du film emploie des péripéties vues ailleurs mais leur donne toujours une vraie épaisseur psychologique, se refusant une nouvelle fois à jouer la carte du grand spectacle. Les scènes d'action sont bien exécutées mais discrètes. car le vrai danger ne se situe pas à l'extérieur, mais bel et bien dans les têtes de nos scientifiques. C'est là que Sunshine touche au divin, dans un dernier tiers inconfortable donc génial, un The descent spatial sur fond de crise mystique, un lent changement d'horizon qui en froissera plus d'un. Mais peu importe : on nage alors bien au-delà du cinéma de SF pour s'envoler vers l'impalpable, quelque chose que seuls Kubrick et Tarkovski ont su faire auparavant. Voilà des années que l'on attendait une révolution pareille. On n'avait pas prévu qu'elle viendrait de Danny Boyle.
9/10

MARIE-ANTOINETTE

La solitude, ça n'existe pas? Si, ça existe. Et quand une jeune autrichienne de quatorze ans doit quitter famille, amies et oripeaux pour devenir une vraie Française, ça fait mal. Marie-Antoinette raconte l'histoire d'une femme que la royauté n'empêche pas de se sentir cruellement seule.
Très drôle, le début du film confronte Marie-Antoinette aux traditions en tous genres, et à un protocole ridicule mais inévitable. Cela donne lieu à de jolies scènes de comédie, tout comme les passages sur le désintérêt total du futur Louis XVI pour la bagatelle. Le pouvoir n'empêche pas de bander mou.
Peu à peu, le tableaux s'assombrit. La solitude se fait de plus en plus grande, l'entourage pressant, les messes basses se multiplient... Là, malgré une grande beauté formelle, le film n'échappe pas à un certain classicisme, suscitant un ennui poli. Sofia Coppola n'a pas su capter de façon permanente les tourments d'une reine perdue. Son film est inondé de brefs éclairs de génie et de beauté pure, mais l'ensemble reste trop timoré pour convaincre vraiment.
La grande réussite de Marie-Antoinette réside dans son côté pictural. Les images, belles comme des tableaux et toujours savamment pensées, font penser à celles du Barry Lyndon de Kubrick. Rien de moins. La mise en scène, ainsi que la bande originale (rock, efficace et cohérente), concourrent à faire de Marie-Antoinette un film "différent". Ainsi, il n'a rien d'un film historique. Sofia Coppola se moque bien de l'Histoire, et très peu d'évènements extérieurs au château de Versailles sont contés. Hormis, bien sûr, la prise de la Bastille, vue comme un déchirement total pour une jeune reine qui commençait enfin à trouver sa place. Marie-Antoinette reste toujours dans le cadre de l'intime, et c'est très bien comme ça.
Pour donner du corps à des personnages aussi connus, Coppola a trouvé un savant dosage entre acteurs à la mode et valeurs sûres. Si Kirsten Dunst est très convaincante, deux comédiens lui ravissent la vedette dès qu'ils apparaissent : Judy Davis, méconnaissable en responsable du protocole pète-sec, et Jason Schwartzman, impérial dans le rôle de Louis XVI, un roi pas sûr de lui pour deux sous et qui se demande bien ce qu'il a fait pour mériter cela.
Sans atteindre le statut de grand film de ses deux précédents films, Sofia Coppola a en partie réussi son pari, celui de faire de Marie-Antoinette une héroïne à hauteur humaine, avec de vraies préoccupations et des attitudes de simple mortelle.
7/10