TERMINATOR RENAISSANCE

Après la comédie signée Jonathan Mostow, les fans attendaient qu'un réalisateur digne de ce nom offre une vraie suite aux deux Terminator de James Cameron, monuments d'actioner SF qui n'ont pas pris une ride (enfin, surtout le 2). Ça semblait bien mal parti avec l'arrivée sur le projet de McG, gentil clippeur responsable des agaçants et colorés Charlie's angels. Et l'on se demandait clairement ce qu'allait devenir la série après l'annonce de l'absence (physique) d’Arnold Schwarzenegger, parti gouverner (et faire couler) la Californie. Finalement, Terminator renaissance porte plutôt bien son titre français, donnant un habile coup de jeune à la franchise en repartant sur d’autres bases sans violer le matériau d’origine. Rien de révolutionnaire dans tout ça, d’autant que l’audacieuse fin prévue pendant des mois a finalement été remplacée par un dénouement plus prévisible, mais le film de McG a de la gueule et promet de jolis moments dans la suite de ce qui devrait constituer une nouvelle trilogie.
Le gros défaut du film est sans doute son manque de personnalité : croulant sous une demi-tonne d’influences diverses et variées, T4 est loin d’être aussi innovant que l’était le deuxième épisode en son temps. Heureusement, les références choisies ont de la gueule : Mad max, Ghost in the shell, La route, Les fils de l’homme, Le jour des morts-vivants… et Transformers, canard boîteux du lot. Les scénaristes ont brodé un road movie souvent dépouillé, sauf quand les machines pointent le bout du nez et dévastent tout sur leur passage. Là, McG s’éclate à coups de longs plans-séquences tortueux et chiadés, qui nous impliquent dans l’action mieux qu’en caméra subjective. Si on n’avait pas déjà vu ça chez Cuaron, ça semblerait génial et original.
Le véritable héros de Terminator renaissance n’est pas John Connor / Christian Bale, mais Marcus Wright / Sam Worthington, condamné à mort qui accepte avant son exécution de donner son corps à la science… en échange d’un baiser. Une première scène assez ratée, qui fait craindre un temps que le film ne soit qu’une bluette vaguement teintée d’action. Il n’en est rien : ça défouraille, ça s’agite, dans une mise en scène d’une imparable fluidité, aux couleurs entre sépia et nuances de gris. Les personnages errent dans un no man’s land assez déprimant, dont le film ne profite pas assez. Ces décors étaient propices à une véritable introspection ainsi qu’à une évolution convaincante des personnages ; malheureusement, on a vite fait le tour de Wright, malgré un Worthington convaincant. Le maladroit prologue a encore fait des siennes… Quant à John Connor, c’est devenu un militaire à la mâchoire serrée et à l’inébranlable détermination. Une machine humaine, en somme. De quoi regretter la fragilité de l’ado interprété par Edward Furlong. Tant et si bien qu’on se moque un peu de la fin, et qu’on n’a envie de voir un T5 que pour se manger deux heures d’action, et guère pour connaître la suite des évènements. Bref, ça aurait pu être bien pire, mais ça aurait pu être un peu mieux.

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Terminator renaissance de McG. 1h48. Sortie : 03/06/2009.
Autre critique sur Sur la route du cinéma.

WANTED : CHOISIS TON DESTIN

Avant d'aller voir Wanted, il faut intégrer l'idée que c'est un film un peu con, un peu vulgos, carrément tocard sur les bords. Une fois ces principes bien assimilés, il est très facile d'entrer dans le premier film ricain de Timur Bekmambetov (oui, je sais l'écrire sans regarder, tout comme Apichatpong Weerasethakul, qui ne fait pas tout à fait le même genre de cinéma), après Night watch et Day watch, une trilogie tellement bancale qu'elle ne comporte que deux épisodes. Avec ses effets visuels pour ados attardés, son ton faussement cool plein de gros mots et d'expressions non reconnues par le petit Robert, et sa philosophie de vie assez grotesque, Wanted a tout pour être raillé et boudé. Ce serait se priver de deux heures d'un plaisir aussi immédiat que primaire.
Le scénar de Wanted pille allègrement les films estampillés "cultes" par les djeunz (ou ex-djeunz, en tout cas nés dans les années 80-90), c'est-à-dire le chef d'oeuvre mal compris Fight club (voir les séquences du début où le héros cafarde dans son open space en marmonnant des sentences pseudo-révolutionnaires), et surtout la trilogie Matrix des frères Wachowski. Du bullet time en veux-tu en voilà, plein de maximes faussement définitives, des sauts d'immeubles en immeubles... Mais voilà : le pillage en règle, tout comme l'esprit bas de plafond de l'ensemble, sont parfaitement assumés, à tel point que l'ensemble devient complètement jouissif. Ça défouraille joyeusement (la différence avec l'esprit Matrix, c'est qu'ici personne ne se prend au sérieux), et la présence d'un héros doué mais ne payant pas de mine provoque une identification immédiate pour le spectateur mâle. C'est un vrai cadeau qu'on lui fait ici : des flingues, du fric... et une Angelina Jolie dont le rôle est d'être complètement canon, fantasme façon FHM pour mâle en rut, dévoilant une chute de reins aussi parfaite que tatouée. En arrivant aux États-Unis, Bekmambetov a parfaitement cerné les envies du spectateur lambda.
Et puis, quand même, Wanted possède un vrai fil conducteur. Une histoire de société secrète (la spécialité du réalisateur), de destinée, de justice sommaire. On découvre également que ce n'est pas Dieu qui régule le destin, mais (roulements de tambour), le "métier à tisser du Destin"... Oui, c'est ridicule, mais ça fait complètement ton sur ton avec tout le reste. Comme James McAvoy (plus épatant de film en film), on découvre tout cela avec un étonnement teinté de consternation, avant d'oublier ses réserves pour aller céder aux sirènes du bling-bling et du bourrin spirit. On fera difficilement film plus pop corn cet été. Pas sûr en revanche que les deux suites (forcément improbables) qui vont en être tirées suite à son succès américain soient très utiles...
7/10

AU BOUT DE LA NUIT

Rarement bien adapté au cinéma, James Ellroy débarque avec un scénario original, cosigné avec Kurt Wimmer (Ultraviolet, aïe). Et c'est David Ayer, un autre spécialiste des flics pourris et des magouilles en tous genres, qui se charge de mettre en scène. Aucun risque d'être trompé sur la marchandise : Au bout de la nuit porte à la fois la patte du romancier et celle du réalisateur. Aucun espoir n'est permis, tout le monde est pourri, la dépression règne sur chaque foyer, l'alcool ravage tout le monde, et l'honnêteté est un mot démodé. C'est là que se situe la grande limite d'un film qui ce complait dans la noirceur et l'absence d'illusions. Car si le style d'Ellroy permet souvent à ses romans de nous embarquer dans des spirales infernales et sans possibilité de rédemption, le passage à l'image occulte souvent ce talent-là, ne mettant plus en avant que ce qui ressemble fort à des clichés sur le monde des flics. Pas un hasard si la plupart des films ellroyiens (mis à part le grand L.A. Confidential) sont copieusement ratés, limite too much.
Pour autant, Au bout de la nuit n'est pas un mauvais film. Bien construit, assez mystérieux dans sa première partie, c'est une plongée assez convaincante dans les nuits d'un L.A. débarrassé de ses oripeaux. Et c'est surtout un déferlement de violence et de brutalité, filmé avec un réalisme sans second degré, une boucherie comme on n'en avait pas vu depuis fort longtemps. Les balles fusent, les corps aussi, et cela touche évidemment bien plus que dans un James Bond ou autre pur divertissement de ce genre. La deuxième partie atteint des sommets dans ce domaine, compensant ainsi la faiblesse d'un scénario qui finit par nous apprendre que, ô surprise, tous les flics sont corrompus et/ou manipulateurs. Une pirouette trop facile et attendue qui nuit réellement à la crédibilité de l'ensemble.
Côté interprétation, Keanu Reeves convainc dès qu'il n'a pas ses lunettes noires vissées sur le nez : là, on a l'impression de retrouver le Neo de la trilogie Matrix, et ça n'est pas très sérieux. Forest Whitaker est une nouvelle fois impeccable en grand chef dépassé (et aussi pourri que les autres, ne cherchez pas). Quant à Hugh Laurie, pour son premier vrai grand film depuis qu'il s'est fait connaître en docteur Greg House, il fait preuve d'une réelle aisance et pourrait bien signer avec ce rôle le début d'une longue aventure sur grand écran. C'est tout ce qu'on lui souhaite. Quant à James Ellroy, on ne saurait que lui conseiller de retourner écrire des romans sur les bas-fonds de Los Angeles et de continuer à dire un peu partout que le cinéma c'est nul, comme il aimait à le faire jusqu'à ce qu'on lui propose de jolis chèques pour adapter ses films au cinéma. Non mais.
5/10

MI$E À PRIX

Voilà quatre ans qu'on attendait des nouvelles de Joe Carnahan, qui avait débarqué avec un Narc rugueux comme pas deux et magistralement tendu. Après avoir claqué la porte du troisième Mission : impossible, Carnahan, soucieux de ne pas faire n'importe quoi, a choisi son projet avec parcionie est s'est dirigé vers ce Mi$e à prix (Smokin' Aces en VO) pour le moins fumant.
Écrit en solo par Carnahan, le film raconte le combat sans merci entre un bon paquet de mercenaires prêts à tout pour buter Buddy 'Aces' Israel, magicien dont le témoignage pourrait signer la fin de Cosa Nostra. Récompense : un million de billets verts pour qui ramènera le coeur d'Israel au parrain Primo Sparazza. Ça va charcler. Et même s'il commence dans un calme relatif, Mi$e à prix sent la Guy Ritchie attitude, la flambe et la frénésie, les grandes phrases et les petits coups tordus. Du Ritchie, donc. En bien. Car Carnahan a su digérer ses influences multiples (de Scorsese à Tarantino en passant par Altman, pour faire simple) pour construire un cocktail détonnant, un maelström de couleurs et d'idées haut perchées, un déferlement d'hémoglobine et de pyrotechnie. La maîtrise est partout : si l'on commence par craindre que le grand nombre de personnages ne nous perde dès le départ (comme chez Ritchie, tiens), ils sont tous si marqués, si brillamment archétypaux que cette intrigue si échevelée reste toujours très lisible. Trio de nazis débiles, couple de tueuses passablement lesbiennes ou as du déguisement : Carnahan fait cohabiter toute cette smala avec une décontraction et une rigueur assez ébouriffantes.
Imprévisible dans sa mise en scène comme dans son intrigue (le "qui va buter qui" est assez difficile à deviner), Mi$e à prix parvient miraculeusement à mêler délire, gravité et enjeux de taille. À l'aide d'un casting parfaitement hétéroclite (d'Alicia Keys à Peter Berg, ils sont tous bons), avec mille idées par plans et un style hors du commun, Carnahan nous empote. Et qu'importe si tout cela sent parfois trop la flambe ou la branchouille : Mi$e à prix, c'est du bling-bling à neurones, du cinéma clinquant mais exigeant, un spectacle délicieux et sidérant. À condition d'avoir survécu jusque là, les dix dernières minutes du film achèveront de convaincre tout le monde : sur une tonalité différente de ce qui précède, avec un vrai sens du récit et un sérieux de cathédrale, le réalisateur-scénariste fait plonger son film dans un bouleversant abîme de génie et de tristesse. Sur que Joe Carnahan n'a pas fini de nous surprendre.
7/10