FUNNY PEOPLE

Judd Apatow est un type génial : producteur émérite, découvreur de talents, heureux père de famille... et auteur frustrant. Funny people est son troisième long-métrage, et c'est par conséquent la troisième fois qu'on se dit que ce mec est un génie, mais qu'il nous le montrera mieux dans son film suivant. L'âge adulte, la paternité, et maintenant l'humour et la mort : dans les films qu'il réalise, Apatow empoigne des thèmes "de société", terriblement généraux dans leur énoncé, mais dans lesquels il injecte tout un lot de névroses qu'il fait passer à grands coups d'humour salvateur. Le sujet de Funny people - une star du stand-up apprend qu'elle est mourante - fleurait particulièrement bon la grande comédie existentialiste et donc dépressive, une sorte de film à la John Hughes mais avec des plus de 30 ans dedans.
Il n'y a d'ailleurs guère de tromperie sur la marchandise : il y a tout ça dans Funny people. Mais il y a malheureusement autre chose. D'une durée de 2 heures 20, le film n'est jamais vraiment ennuyeux, mais il est surtout outrageusement long. Apatow semble avoir invité le long-métrage à monter soi-même : on s'emparerait volontiers d'une paire de ciseaux et d'un tube de colle afin de trancher dans le vif et d'enlever une bonne demi-heure à un film qui n'avait pas besoin de traîner en longueur vu ce qu'il raconte. Car il y a une légère arnaque dans tout cela : si l'humoriste incarné par Adam Sandler - très bien, très sobre, comme quand il est bien dirigé - apprend bel et bien que ses jours sont comptés, le film emprunte bien vite d'autres voies et finit presque par se désintéresser de ce problème pourtant essentiel, au gré d'un scénario un rien manipulateur et surtout assez paresseux.
De fait, Funny people est juste un Apatow de plus, mais un pas mauvais, qui atteint ponctuellement des sommets d'humour, qui nous enchante à coups de dialogues ciselés et de vannes vraiment drôles ou volontairement foireuses, et nous fait baigner dans les coulisses des comedy clubs où chacun vendrait sa mère pour un bon mot ou quelques minutes de médiatisation supplémentaire. Le duo Sandler - Seth Rogen fonctionne mieux que bien, les seconds rôles sont assez en retrait mais toujours efficaces, et Eric Bana s'intègre à merveille à l'univers Apatow bien qu'étant le fer de lance de la partie la moins intéressante du film. On en sort à la fois charmé et déçu, grisé par la photo de Janusz Kaminski et frustré de ne pas avoir saisi cette fois le petit manège de Judd Apatow, en se jurant néanmoins d'être au rendez-vous qu'un quatrième long qui, auto-persuasion oblige, ne pourra qu'être son chef d'oeuvre.

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Funny people de Judd Apatow. 2h20. Sortie : 07/10/2009.

À BORD DU DARJEELING LIMITED

Objectivement, très peu de choses différencient un artiste qui fait toujours la même chose d'un autre dont on dit qu'il a son style. Cinéaste dandy, nourri d'influences aussi multiples qu'impeccables, Wes Anderson appartient sans aucun doute à la seconde catégorie. Par le biais de mille réminiscences et obsessions, The darjeeling limited est inextricablement lié aux quatre précédents films du bonhomme, du prometteur Bottle rocket jusqu'à une Vie aquatique pas dépaysante mais très déconcertante. Mais, plus qu'une synthèse, c'est une somme. Tous les éléments du petit théâtre d'Anderson sont ici poussés à leur apogée, comme dans un gigantesque tourbillon spleenesque et galvanisant.
Ça commence mal, ou plutôt trop bien. L'avant-propos de The darjeeling limited est un court-métrage, "Hotel Chevalier", qui narre les retrouvailles une mec et d'une fille dans une chambre d'hôtel parisien. Lui, c'est Jason Schwartzman, sosie psychique (et tragique) de Wes Anderson. Elle, c'est Natalie Portman, dont la coupe garçonne irradie l'écran et dont la chute de reins possède un arrière-goût d'apocalypse. La mélopée obsédante et renversante de Peter Sarstedt ("Where do you go to (my lovely)", chef d'oeuvre de ballade surannée, à l'irrésistible franglais) contribue au moment de grâce que constituent ces quelques minutes hors du temps, hors du monde et bien au-delà du cinéma. Après une telle entrée en matière, c'est certain, la suite ne pourra que décevoir. On passe donc deux heures à attendre le faux pas, la baisse de rythme ou la faute de goût qui viendra souiller l'ensemble. Tel évènement ne se produira jamais. The darjeeling limited sidère par l'équilibre total qu'il assure de bout en bout, brassant des thèmes et ambiances antipodiques.
Le film d'Anderson va à l'encontre de tout ce qu'il semble être, ni road trip familial ni récit picaresque. Pourtant, ce perpétuel esprit de contradiction n'est jamais mis en avant, et la sincérité prime de part en part. Ce voyage en train pour sillonner l'Inde à la recherche d'on ne sait trop quoi est d'abord une aventure intérieure pour chacun des membres du trio de héros. Derrière les mésaventures plus ou moins anecdotiques se cache un esprit à la fois tendre et dépressif, une description sans fard de nos vies futiles et polymorphes. The darjeeling limited a beau être le film le plus drôle de son auteur, c'est également celui qui colle le plus à la peau par son aptitude à aller gratter là où ça fait mal. On en sort à la fois enthousiaste et lessivé, comme à la fin d'une vie bien remplie, faite de souvenirs indélébiles et d'une multitude de regrets éternels.
Ce qui sauve le film de la dépression totale, c'est la façon qu'a Anderson de contrebalancer une certaine gravité par une bonne dose de petits moments magiques et d'atmosphères colorées et acidulées. Mise en scène picturale et frontale (définitivement l'empreint numéro un du style Anderson), atmosphère façon BD philosophique et indépendante, direction d'acteurs profonde mais pas voyante... Ce type-là sait tout faire, et la modestie avec laquelle il s'acquitte de son film est franchement touchante.
Bien que principalement incarné par des hommes, The darjeeling limited n'en demeure pas moins une gigantesque déclaration d'amour à l'adresse de la femme, qui n'est pas que l'avenir de l'homme, mais également sa raison d'être. Souvent absentes à l'écran (hormis par l'entremise d'une employée des chemins de fer aussi mimi que coriace), elles revêtent toutefois une importance capitale dans l'existence des trois frangins. Ils leur doivent leurs plus grandes joies, mais également l'air de chien battu qu'ils arborent pendant tout le film. Et niveau chiens battus, les trois acteurs se posent là. Avec pour points communs une classe naturelle et un tarin reconnaissable entre mille (cassé pour Owen Wilson, crochu pour Brody, en patate pour Schwartzman), ils réalisent des prouesses, habitant littéralement leurs personnages avec une précision assez stupéfiante. Rarement des frères sur le papier auront été aussi frères à l'écran. Ils donnent au film son délicieux tempo, entre immaturité totale et raideurs d'adulte. Cet alliage délicat et parfaitement instable constitue d'ores et déjà l'image forte d'une année 2008 brillante, puissante, tout simplement époustouflante. Il serait criminel de passer à côté de cette pure pépite presque aussi belle que la vie.
10/10

MARIE-ANTOINETTE

La solitude, ça n'existe pas? Si, ça existe. Et quand une jeune autrichienne de quatorze ans doit quitter famille, amies et oripeaux pour devenir une vraie Française, ça fait mal. Marie-Antoinette raconte l'histoire d'une femme que la royauté n'empêche pas de se sentir cruellement seule.
Très drôle, le début du film confronte Marie-Antoinette aux traditions en tous genres, et à un protocole ridicule mais inévitable. Cela donne lieu à de jolies scènes de comédie, tout comme les passages sur le désintérêt total du futur Louis XVI pour la bagatelle. Le pouvoir n'empêche pas de bander mou.
Peu à peu, le tableaux s'assombrit. La solitude se fait de plus en plus grande, l'entourage pressant, les messes basses se multiplient... Là, malgré une grande beauté formelle, le film n'échappe pas à un certain classicisme, suscitant un ennui poli. Sofia Coppola n'a pas su capter de façon permanente les tourments d'une reine perdue. Son film est inondé de brefs éclairs de génie et de beauté pure, mais l'ensemble reste trop timoré pour convaincre vraiment.
La grande réussite de Marie-Antoinette réside dans son côté pictural. Les images, belles comme des tableaux et toujours savamment pensées, font penser à celles du Barry Lyndon de Kubrick. Rien de moins. La mise en scène, ainsi que la bande originale (rock, efficace et cohérente), concourrent à faire de Marie-Antoinette un film "différent". Ainsi, il n'a rien d'un film historique. Sofia Coppola se moque bien de l'Histoire, et très peu d'évènements extérieurs au château de Versailles sont contés. Hormis, bien sûr, la prise de la Bastille, vue comme un déchirement total pour une jeune reine qui commençait enfin à trouver sa place. Marie-Antoinette reste toujours dans le cadre de l'intime, et c'est très bien comme ça.
Pour donner du corps à des personnages aussi connus, Coppola a trouvé un savant dosage entre acteurs à la mode et valeurs sûres. Si Kirsten Dunst est très convaincante, deux comédiens lui ravissent la vedette dès qu'ils apparaissent : Judy Davis, méconnaissable en responsable du protocole pète-sec, et Jason Schwartzman, impérial dans le rôle de Louis XVI, un roi pas sûr de lui pour deux sous et qui se demande bien ce qu'il a fait pour mériter cela.
Sans atteindre le statut de grand film de ses deux précédents films, Sofia Coppola a en partie réussi son pari, celui de faire de Marie-Antoinette une héroïne à hauteur humaine, avec de vraies préoccupations et des attitudes de simple mortelle.
7/10