LE DERNIER POUR LA ROUTE

Souvent, évoquer le classicisme d'un film est souvent une critique destinée à dénoncer un manque d'originalité dans le style ou dans le ton. Et puis parfois, il arrive qu'un film soit classique et que ce soit très bien comme ça. Oeuvre pas impérissable mais d'une facture extrêmement satisfaisante, Le dernier pour la route appartient à cette catégorie, son absence de partis pris marqués et d'idées fantaisistes semblant lui apporter une certaine force. Il est tellement difficile d'aborder l'alcoolisme sans tomber dans le pathos ou le sordide que Philippe Godeau - producteur de renom et réalisateur débutant - a eu mille fois raison de faire dans la sobriété la plus totale.
La sobriété, c'est justement l'un des thèmes principaux de ce Dernier pour la route qui n'est ni plus ni moins que l'histoire de la thérapie d'un homme tentant de se sortir des griffes de l'alcool. Inspiré du récit du patron de presse Hervé Chabalier, le film se cantonne à une période bien précise de sa vie, à savoir son entrée en cure et les cinq semaines de soins qui suivent. Avec une huitaine de compagnons souffrant du même mal que lui - « la seule maladie dont personne n'est jamais tout à fait guéri », reprécise le film -, il tente de surmonter des obstacles plus mentaux que physiques et de faire le point sur sa vie passée, ses envies, ses attentes, le points forts qui vont l'aider à s'en sortir. Le menu est assez prévisible, mais le traitement est d'une telle pudeur qu'on fait très vite corps avec cet anti-héros aussi pathétique que poignant. Il doit énormément à un François Cluzet toujours aussi habité. Avant lui, Dany Boon et Christian Clavier avaient accepté le rôle puis s'étaient désistés ; quoi qu'on pense du ch'ti et de Jacquouille, nul doute que le film a gagné au change.
D'un film pareil, on peut affirmer - comme on aurait pu le faire avant même de l'avoir vu - que c'est une belle leçon de courage, un plaidoyer pour la vie, un témoignage adressé à ceux qui aiment trop la bouteille et souhaiteraient pouvoir s'en décrocher. Des formules un peu surfaites mais qui collent pleinement du Dernier pour la route. Celui-ci évite cependant l'optimisme béat et l'apologie simpliste des bienfaits de la thérapie : il semble évident, bien avant un épilogue en forme de bilan collectif, que ces cinq semaines n'auront pas eu le même effet sur tout le monde. Et c'est peut-être dans cette fin que le film prend le plus de risques, affirmant avec témérité que l'égoïsme est parfois inévitable pour qui souhaite se sortir de la tourmente, quitte à laisser les autres boire la tasse. Difficile de dire si un cinéaste est né, mais Philippe Godeau a en tout cas su faire preuve de la retenue nécessaire pour ne pas se planter dès son premier long.

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Le dernier pour la route de Philippe Godeau. 1h47. Sortie : 23/09/2009.
Critique publiée sur Écran Large. Autre critique sur Une dernière séance ?.

PARIS

Dans une scène de Paris, l'historien incarné par Fabrice Luchini explique que le secret de la capitale française repose sur un mélange complexe d'ancien et de moderne. Un constat qui s'applique parfaitement au film de Cédric Klapisch, auteur-réalisateur quadra aspirant à tourner des films plus matures mais ne parvenant pas vraiment à quitter l'adolescence. Comme toutes ses œuvres précédentes, Paris livre un message profondément candide et naïf, profitant d'un conséquent capital séduction pour tenter de toucher le plus grand nombre.
Il faut dire que Klapisch sait y faire, lui qui nous offre de sympathiques films générationnels (un terme qui ne veut plus rien dire) depuis une petite quinzaine d'années (écartons cependant les infâmes Poupées russes) : Paris, c'est 2h10, et pas une seconde d'ennui. Les scènes s'enchaînent vite et bien, dans un ordre pouvant parfois sembler aléatoire, avec au minimum un bon mot ou un beau sentiment par minute. C'est souvent réussi mais presque trop facile : le film durerait cinq heures que personne ou presque ne s'en plaindrait (sauf à cause d'une envie de pipi ou d'une pénurie de pop-corn). Toujours chien fou malgré les années qui passent, Klapisch ne s'encombre d'aucun fil rouge et multiplie les personnages, les points de vue, les évènements avec cette envie latente d'en montrer plus pour gagner plus. C'est souvent le mal des jeunes réalisateurs, qui tentent de "tout" mettre dans leur premier film, quitte à ce que celui-ci explose sous son propre poids. Le problème, c'est que Klapisch n'est plus un novice, et qu'il devient fatigant de l'entendre à chaque film parler de ses difficultés de montage dues à son trop plein d'idées et d'images.
Ça donne un film fourre-tout, entre deux âges, forcément attachant parce que bien troussé, mais manquant désespérément d'unité et de profondeur. L'ambition de l'auteur de dépeindre Paris à travers une poignée d'habitants était chose louable ; hélas, ce patchwork ressemble davantage à un catalogue qu'à un état des lieux. Allez hop, un clodo et un immigré pour ne pas être accusé d'embourgeoisement ; zou, quatre femmes du monde fricotant avec des maraîchers et des poissonniers de Rungis pour bien montrer que Paris est une grande communauté sans clivages. Bertrand Delanoé doit être content : il a trouvé en Klapisch le cinéaste parfait pour remplacer Luc Besson lors de la prochaine course aux jeux olympiques.
Il y a deux ans, le Selon Charlie de Nicole Garcia était vilipendé (à tort) car trop fuyant, trop choral, sans réel but. Paris souffre des ces maux-là, habilement dissimulés derrière une sympathie ambiante. Ne nous sont livrés que des embryons d'histoires et de personnages, souvent éclipsés par quelques évènements qui dramatisent l'ensemble de façon excessive et totalement artificielle (cf. le personnage interprété par Julie Ferrier). À trop vouloir faire, dire, montrer, Klapisch sacrifie quelques éléments essentiels au détriment d'autres qui le sont moins. En résulte l'impression d'être passé à côté de certains acteurs (Cluzet, Viard, sans doute sacrifiés au montage) au détriment par exemple d'un Romain Duris dont les dernières prestations klapischiennes sont de plus en plus téléphonées et empreintes d'intentions flagrantes. L'heure semble venue pour Cédric Klapisch et son acteur fétiche de se remettre un peu en question et de se demander combien de temps et combien de films ils vont encore pouvoir tenir avant de sombrer dans la médiocrité la plus totale.
5/10

LES LIENS DU SANG

En France, la mode est au gangster. Après Le dernier gang d'Ariel Zeitoun et avant les films de Jean-François Richet, Jean-Paul Rouve et autres, c'est l'inattendu Jacques Maillot qui s'y colle. Lui qu'on avait laissé il y a presque dix ans avec le beau Nos vies heureuses revient avec ce joli portrait de deux frères aux vies et aux destins opposés. Sans révolutionner quoi que ce soit, Les liens du sang offre une excellente alternative à ces films de gangster souvent excessifs, excessivement violents, n'aspirant à rien d'autre qu'à faire du sous Scarface (et s'inspirer d'un très mauvais film est rarement une bonne idée). S'il y a bien quelques (impressionnantes) effusions de sang çà et là, le film de Maillot est d'abord un drame familial et intime autour de deux types qui se cherchent l'un l'autre sans même s'être trouvés eux-mêmes.
Au début, il y a de quoi avoir légèrement peur : la reconstitution semble trop appliquée pour que le moindre souffle de vérité sorte du film. Coiffures improbables, papiers peints à fleurs, réalisation façon 70's : rien n'est laissé au hasard, et on craint légitimement de devoir assister à un film scolaire et poussif. Puis le trait se fait plus fin et l'atmosphère s'installe. Sans jamais se focaliser sur les méfaits commis par le pendant sombre de la fratrie (Cluzet, une nouvelle fois très impressionnant), Maillot livre un double portrait sombre et suffoquant, d'autant plus que le script est inspiré d'une histoire vraie (celle des frères Papet, qui ont tiré un livre de leur drôle d'histoire). À plusieurs niveaux, c'est à travers les femmes que ces deux frangins trouvent leur place. On assiste à une véritable déclaration d'amour au sexe dit faible à travers deux personnages de femmes dignes, courageuses, mais jamais sanctifiées par l'auteur. Dans des registres différents, Clotilde Hesme et Marie Denarnaud confirment tout le bien que l'on pense d'elles.
Le profil bas va décidément très bien au cinéma français, qui n'est jamais aussi efficace que lorsqu'il ne tente pas d'imiter ses homologues américains. S'il pourra sembler trop linéaire ou pas assez accidenté, c'est justement par ce refus du rebondissement à tout prix que Les liens du sang séduit. Jusqu'à cette fin ratée, abrupte et inutile, qui vient légèrement remettre en question l'enthousiasme ressenti tout au long du film. Une conclusion qui se permet même d'aller totalement à l'encontre du message que les frères Papet avaient tenté de faire passer dans leur témoignage. À cette grosse réserve près, Les liens du sang montre néanmoins que la France peut encore accoucher de bons films classiques mais stylés. Ce qui constitue une très bonne nouvelle.
7/10

LA VÉRITÉ OU PRESQUE

Si les films choraux lassent visiblement les spectateurs (les derniers en date, Ma place au soleil en tête, ont essuyé de gros échecs au box-office), les réalisateurs français s'obstinent et persistent dans un genre qui requiert plus de finesse et de style qu'il n'y paraît. Visiblement, Sam Karmann s'est bien amusé à adapter le roman de Stephen McCauley ; mais si La vérité ou presque est un spectacle assez honorable, on ne peut pas vraiment dire qu'il sorte du lot, ne se distinguant ni par son style, ni par son originalité.
Il n'y a qu'à observer le casting pour comprendre le manque total d'ambition qui caractérise le film : Karin Viard en emmerdeuse, Dussollier en gentil mec ouvert aux autres, Cluzet en salaud sympathique... Chacun est employé dans ce qu'il a toujours fait (plutôt bien, d'ailleurs), et aucune surprise ne vient transcender le film. De même, pour la réalisation : Karmann multiplie les mouvements de caméra, mais tout cela ressemble moins à une mise en scène qu'à une volonté un peu primaire de ne pas ressembler à un téléfilm.
À condition de se focaliser sur ce qui fait l'essence même du film, les dialogues, La vérité ou presque recèle quelques moments assez savoureux, notamment la scène du dîner, où les vacheries pleuvent pour notre plus grand bonheur. Fasciné par les liens entre passé et présent (une mystérieuse chanteuse de jazz fait office de passerelle, comme JFK dans Kennedy et moi), Karmann livre une fin gentiment touchante, doublée d'une morale pas trop appuyée.
Sa réflexion sur la vérité (et sur son pas tout à fait contraire, le mensonge) est assez bien vue ; pas suffisant cependant pour rivaliser avec la perversité bourgeoise d'un Chabrol ou la tendresse piquante d'un Jolivet. Manque à Karmann un sujet suffisamment fort ou une vraie personnalité de cinéaste, l'idéal étant d'avoir les deux.
6/10
(également publié sur Écran Large)

MA PLACE AU SOLEIL

Très à la mode, le film choral est un genre à prendre avec des pincettes, qui nécessite de la maîtrise, de la finesse, et une certaine unité. Visiblement, Éric de Montalier ne possède rien de tout ça : non content d'être le moins bon de tous les acteurs du film (et il y en a des mauvais), il livre avec Ma place au soleil ce qui se fait de pire dans le genre.
Pas grand chose à dire, rien à raconter : avec sa caméra faussement aérienne, Éric de Montalier entend sans doute montrer que les salauds sont toujours pourris et que chacun a droit à sa place au soleil (d'où le titre, forcément). On a rarement fait démonstration plus schématique : tous les hommes sont des porcs sans cervelle, toutes les femmes des victimes. Ce n'est flatteur ni pour les uns ni pour les autres. Vaguement reliés entre eux, les différents segments du film n'ont aucune personnalité : Montalier part d'un fond de réalisme téléfilmique à la petite semaine et y incorpore au petit bonheur des bribes d'onirisme, de burlesque et de tragique (avec même un type qui joue la Mort) sans aucun souci de cohérence. On tient là le nouveau Claude Lelouch, cinéaste particulièrement doué dans l'art de redécouvrir à chaque seconde que la vie est belle, surprenante, bourrée de hasards, et qu'elle "ne vaut d'être vécue sans amour" (c'est l'affiche qui le dit). Il s'émerveille de la naissance contrariée d'un amour, des bienfaits du tango et du squash, puis se fâche contre les connards (il préfère les losers sans saveur), les méchants et les profiteurs. Le genre de leçon de vie mille fois vue et revue, traitée sans un pouce d'originalité.
On se demande bien comment le réalisateur novice et pas doué a pu réussir à réunir un casting aussi foisonnant. Mais côté direction d'acteurs, c'est là aussi la débandade : à vrai dire, seuls trois d'entre eux sont bons (et même très bons), j'ai nommé Gilles Lellouche, François Cluzet et Élodie Bouchez. Les autres sont d'une platitude absolue. Et c'est toujours triste de voir des acteurs aussi rares que Nicole Garcia ou Jacques Dutronc gâcher leur talent dans des productions aussi ineptes que celle-ci.
2/10

NE LE DIS À PERSONNE

En s'attaquant à ce qui aurait normalement dû être un film américain, le petit Guillaume Canet a confirmé sa volonté annoncée de faire du beau et grand cinéma en France. Projet : adapter Ne le dis à personne, gentil petit polar bien tordu et premier d'une longue liste de best-sellers d'Harlan Coben. Pourquoi choisir celui-là plutôt qu'un autre? Car Coben, à défaut d'être le plus grand écrivain du monde, possède un vrai sens de l'intrigue et de la dramaturgie, et sait insérer autre chose que des scènes d'action dans ses romans. Son Ne le dis à personne, outre une histoire à suspense, raconte un amour fort et incessible entre un homme et la femme qu'il a perdue.
Canet souhaitant visiblement concurrencer les USA en livrant un polar aussi efficace que ceux d'Oncle Sam, on pouvait craindre que cette volonté d'être compétitif ne nuise gravement au film. Il n'en est rien : si la réalisation de Canet rime avec ambition, elle n'est jamais là que pour mettre en valeur chaque scène après l'autre. Mieux, jamais le jeune loup ne confond vitesse et précipitation, n'oubliant pas que dans ce genre d'affaire, les moments de répit sont souvent plus nombreux que ceux où l'adrénaline monte. D'où un policier nerveux quand il faut, mais qui sait également se poser et éviter l'hystérie entre deux moments forts. Il faut dire qu'avec un casting pareil, il est assez simple de se reposer sur ses comédiens. Un tel tas de célébrités aurait pu paniquer Canet en lui donnant trop envie de faire plaisir à tout le monde. Mais non : chacun est à sa place et défend âprement la parcelle, si maigre soit-elle, qu'on lui a attribuée. À ce petit jeu, les grands gagnants sont François Cluzet, l'oeil hagard puis perçant, déchiré par le drame qui se joue autour de lui ; et Gilles Lellouche, le grand acteur qui monte qui monte, excellent en petite frappe au grand coeur.
Évidemment, Ne le dis à personne peut passer pour un film relativement lisse, puisque passée son intrigue bien enrobée, pas grand chose ne dépasse. Il n'empêche : un tel cocktail d'efficacité et de complexité accessible devrait ravir les amateurs du genre. Et quand ce mélange est français, c'est tellement rare qu'il y a de quoi applaudir un peu plus fort.
8/10