GOOD MORNING ENGLAND

En 2003, après une décennie passée à semer la joie grâce à d'imparables scénarii de comédies romantiques, Richard Curtis s'est volontairement sabordé en écrivant et tournant Love actually, splendide film choral mêlant une dizaine d'histoires passionnantes qui auraient pu donner dix films. Une façon de boucler la boucle et d'annoncer son désir de passer à autre chose, de ne pas être mister romance jusqu'à la fin de son existence. Et c'est avec Good morning England (encore un titre "français" parfaitement stupide) qu'il confirme cette intention, le film ne brillant pas franchement par son romantisme. Les femmes y sont classées en trois catégories (cumulables qui plus est) : les groupies hystériques, les filles faciles et les bonniches lesbiennes. Mais sont traitées avec tant de tendresse qu'il est impossible de s'en offusquer. Les années 70 façon Richard Curtis sont le terrain d'une gigantesque communion des corps et des esprits, et ce malgré les quelques rabat-joie réfractaires qui rodent çà et là.
Vendu comme un film rock, Good morning England n'en est pas vraiment un, à mille lieues de modèles comme Presque célèbre ou High fidelity (le nom du héros m'échappe). C'est davantage un film de mecs et un film d'époque, récit d'une épopée radiophonique haute en couleurs et riche en petites histoires. Ici, c'est clairement l'anecdote qui prime, le scénario n'étant pas construit sur une intrigue mais plutôt sur une série de portraits. Seule l'histoire du vilain ministre souhaitant faire interdire les radios pirates (Kenneth Branagh) sert de fil conducteur à cet enchaînement de saynettes, extrêmement vif mais manquant un rien de liant. On sent que le film aurait pu durer cinq heures de plus, Curtis manquant de temps pour exploiter les possibilités de chaque protagonistes. C'est d'ailleurs le principal (et seul ?) défaut de ce film fort sympathique : il aurait pu donner une série télé juste gigantesque. Il y a tant de personnages (8 DJs et quelques autres) qu'on a au final l'impression de les avoir à peine effleurés du doigt, chacun ayant son petit quart d'heure de gloire avant d'être tristement relégué au second plan. Nul doute que les morceaux de bravoure auraient semblé plus intenses ou plus émouvants si on avait réellement eu le temps de s'attacher aux héros.
En revanche, il est extrêmement aisé de se sentir chez soi dans ce beau et grand bateau, décor singulier et aux possibilités multiples, que Curtis exploite au mieux. Les couloirs sont nombreux, les chambres non loin des unes des autres, permettant au film de verser de temps à autres dans la comédie de boulevard avec amant dans le placard. Spécialiste du genre : Nick Frost, qui joue enfin autre chose que le bras droit de Simon Pegg, et qui illumine le film en bibendum très couru par les filles. Même si certains sont moins bien servis par le scénario, tous les acteurs sont empreints de la même énergie débordante, qui s'exprime différemment selon les rôles, du classissime Bill Nighy en dandy en chef au touchant Chris O'Dowd dans le rôle du pauvre marié. Ils nous ménagent quelques instants absolument délectables, nombre de répliques vraiment tordantes, et surtout une fin aussi improbable que magnifique. Cette longue conclusion ajoute au ton fantaisiste et déconneur des deux premières heures le véritable esprit rock qui lui faisait légèrement défaut jusque là, ainsi qu'une sacrée dose d'émotion. L'image de quelques pochettes de disque prenant l'eau renforce l'idée d'un film nostalgique, tourné tout entier vers une époque révolue, qui n'est plus reliée à nous que par une tripotée de bons disques. Le Nick Hornby des débuts, celui de Haute fidélité et 31 songs, ne cracherait sans doute pas sur ce Good morning England dont on attend la version longue.

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Good morning England (The boat that rocked) de Richard Curtis. 2h15. Sortie : 06/05/2009.
Autre critique sur Sur la route du cinéma.

SYNECDOCHE, NEW YORK

Trop souvent catalogué comme un simple petit malin, Charlie Kaufman révèle sa vraie nature avec Synecdoche, New York : ce type est juste un fou complètement génial. Avec lui, la mise en abyme n'est qu'un commencement, et est elle-même mise en abyme jusqu'à l'épuisement. Un épuisement qui guette d'ailleurs le spectateur de ce film d'une grandeur dévastatrice, d'abord replié sur lui-même dans un autisme absolu, avant de soudainement s'ouvrir au monde, de le réinventer sans cesse et d'en extraire la substantifique moëlle. Synecdoche, New York est à des lieues de ce qu'il semble être, c'est-à-dire un simple procédé scénaristique destiné à épater la galerie. Ce n'est pas seulement l'histoire d'un type qui met en scène l'histoire de sa vie avant de mettre carrément sa vie en scène ; ce qui se déroule sous nos yeux ébahis, c'est juste l'histoire de l'humanité, de la naissance de l'art, du caractère éphémère de nos existences. Le tout dans un style évidemment emphatique, mais jamais en roue libre. Une pure claque, anxiogène et admirable.
Voilà un film foncièrement inconfortable, singulièrement cahotique, à la temporalité totalement déréglée. Une seconde passe en un siècle, un siècle en une seconde, et voilà Caden Cotard (Philip Seymour Hoffman, juste assez excessif pour le rôle) qui se perd avec nous dans cette spirale chronologique allant au-delà de l'ellipse. L'écriture de Kaufman est si précise qu'il parvient à nous déposséder de nos repères, à nous plonger dans l'inconnu sans pour autant nous larguer une seule seconde. En deux heures, il brasse plus de thèmes que bien d'autres en une vie entière, les abordant de façon frontale et gonflée. On a réellement l'impression de vivre en accéléré, de multiplier les expériences déstabilisantes, de comprendre enfin ce qu'est l'art et de se poser les bonnes questions sur son utilité ou son inutilité. C'est un truc totalement fou, qui en laissera plus d'un sur le bas côté, une oeuvre si riche et indescriptible qu'il vaut mieux ne rien en dire, poser là son clavier et retourner la voir, encore et encore, quitte à en devenir complètement taré.
8/10

(autre critique sur Tadah ! Blog)

DOUTE

Le problème avec les adaptations de pièce de théâtre, c'est qu'elles ont très vite tendance à être dévorées par deux types d'excès. Soit le réalisateur en fait des caisses pour rendre l'ensemble moins statique, soit il s'enferme dans un total dénuement qui peut rendre l'ensemble austère et ennuyeux. Portant sa propre pièce à l'écran (il signe le scénario et la réalisation), John Patrick Shanley parvient à éviter ces deux écueils, trouvant dès le début le juste milieu. Doute est une oeuvre idéalement équilibrée, un vrai film de cinéma au sujet pour le moins passionnant. L'argument est placé sous le signe de l'ambiguïté, celle-ci caractérisant non seulement le prêtre incarné par Philip Seymour Hoffman, mais également les autres personnages, dont le positionnement par rapport aux évènements est parfois trouble.
L'une des nombreuses bonnes idées du film, c'est d'utiliser les pratiques religieuses de ses protagonistes comme un moyen pour eux de se détourner de la vérité, notamment grâce au secret de la confession. Pour autant, Shanley ne signe pas un réquisitoire à charge contre l'Église, qui aurait été beaucoup trop facile et surtout hors de propos. Mis à part ce pour quoi il est suspecté, le père Flynn est même plutôt sympathique (et c'est d'ailleurs là l'origine de ses ennuis). À l'inverse, si l'on met de côté sa détermination à découvrir la vérité, la soeur Aloysius (Meryl Streep) est un personnage tout sauf attachant, qui confond parfois rigueur et terreur. Des personnages assez fascinants, tout comme la troisième roue du carrosse, la jeune soeur James (Amy Adams) qui s'immisce dans le duel psychologique qui s'installe entre les deux héros, rendant le tout encore plus sinueux.
Porté par des dialogues en or, Doute avance sans temps mort jusqu'à une conclusion très satisfaisante, qui permet au film d'exister bien après le générique de fin. Si la construction fait penser aux pièces de David Mamet, Shanley s'en distingue par son refus de toute perversité superflue, ne jouant jamais au plus malin avec le spectateur, mais lui laissant le soin de juger et de tirer les conclusions qui s'imposent. Un seul défaut vient finalement émailler ce drame assez impeccable : mille excuses, mais Meryl Streep en fait un peu trop dans la peau de cette soeur Aloysius si rigide et austère qu'elle finit par ressembler à Cruella. On n'y croit jamais tout à fait, pas plus qu'au léger revirement final de son personnage. Contrairement à elle, Philip Seymour Hoffman et Amy Adams sont pile dans le ton. Même les plus grandes actrices ont parfois des faiblesses...
7/10

(autre critique sur Sur la route du cinéma)

Top 5 : Philip Seymour Hoffman

Cette semaine, Philip Seymour Hoffman sème le Doute : est-il oui ou non nu sous sa soutane ?



Top 5 des films avec Philip Seymour Hoffman

01. Punch-drunk love (2002)
Difficile d'oublier la colère mémorable poussée par ce vendeur de matelas un peu escroc sur les bords, dont les échanges téléphoniques avec un Adam Sandler cyclothymique vont rapidement tourner au pugilat verbal sous le signe du décibel. L'un des moments les plus hilarants de ce très grand petit film, comédie romantique absolue et incongrue.


02. Boogie nights (1997)
Paul Thomas Anderson squatte le haut du classement avec cette fresque moins scorsesienne qu'annoncé sur la naissance et le devenir d'une porno star fort membrée. Dirk Diggler (Mark Wahlberg) fait des émules, y compris parmi les hommes, puisqu'il est également la cible des fantasmes de Scotty J., pornophile mal dans sa peau auquel Hoffman donne idéalement corps.


03. Truman Capote (2005)
Alors, l'Oscar, mérité ou pas ? Oui, mille fois oui : s'il offre une version très Actor's studio de l'auteur de De sang-froid, l'acteur est si convaincant qu'il parvient non seulement à rendre tolérable la voix si particulière de Capote, mais également à en faire un personnage à l'hallucinant potentiel tragique, capable d'arracher des larmes et de motiver bien des réflexions.


04. Happiness (1998)
Ce rôle aurait pu lui coller à la peau jusqu'à la fin de sa vie et l'empêcher de multiplier les projets différents : Philip Seymour Hoffman a pourtant su se débarrasser d'Allen, obsédé sexuel fasciné par sa voisine incarnée par Lara Flynn Boyle. Soit l'un des personnages les plus réussis de cette géniale galerie d'êtres complexés et dégueulasses, de loin le meilleur film d'un Todd Solondz qui se mit ensuite à tourner à vide.


05. 7h58 ce samedi-là (2007)
Son personnage de pourri total est finalement assez semblable au bad guy de M:I-3 ; mais s'il est plus réussi, c'est non seulement parce qu'il est plus crédible (registre oblige) et plus dangereux pour les siens (braquer sa mère pour se faire la belle, faut quand même le faire). Rendu fou par une femme plus que fatale (Maria Tomei), Philip pète un plomb dans cet impeccable polar signant le retour en grâce de Sidney Lumet, gentil papy de 83 balais.

LA FAMILLE SAVAGE

On parle souvent de comédie dramatique lorsqu'on ne sait pas bien comment étiqueter un film. En tout cas, ce terme un peu passe-partout sied parfaitement à La famille Savage. Le deuxième long de Tamara Jenkins donne de quoi rire et de quoi pleurer – et pourquoi pas les deux simultanément. Étant donnés les thèmes traités, il y avait de quoi faire plus plombant : la mort, les ratés de la création, l'existence qui foire et ne laisse pas de seconde chance. Pourtant, de par la finesse de son écriture et grâce à trois acteurs ébouriffants (dans le rôle du père, Philip Bosco donne excellemment le change au duo Laura Linney - Philip Seymour Hoffman), Jenkins parvient à émettre autre chose que des ondes négatives.
La famille Savage aurait très bien pu être une pièce de théâtre, cet art qui obnubile tant ce frère et cette sœur. Nombre de décors limité, distribution très réduite (les seconds rôles sont peu nombreux et peu présents), mise en scène minimaliste : ici, c'est principalement le dialogue qui importe, rien que le dialogue. Par miracle, Tamara Jenkins parvient à tourner les choses de façon à ce que l'on ait l'impression de les entendre pour la première fois. Et le pouvoir de conviction de Linney et Hoffman est tel qu'on les écoute volontiers débiter leurs états d'âme et leurs craintes diverses et variées. Un humour salvateur, chichement réparti tout au long du film, vient régulièrement regonfler le moral des troupes. Quelques rires bruyants viendront zébrer cette atmosphère brumeuse.
Avec ses paysages froids et beaux, son absence de surenchère et son simple désir de décrire la vie comme elle est, La famille Savage est un pur produit indépendant, comme Sundance en présente une demi-douzaine chaque année. Celui-ci est particulièrement recommandable, tant il parvient à atteindre une sorte de vérité aussi tétanisante que thérapeutique. Comme un cousin un peu plus indé des films d'Alexander Payne (ici coproducteur), avec le même amour du travail bien fait et le même soin apporté à la direction d'acteurs.
7/10
(également publié sur Écran Large)

LA GUERRE SELON CHARLIE WILSON

Alors qu'il a été prouvé scientifiquement que l'humour disparaissait avec l'âge, il est toujours agréable de constater que certains papys n'ont rien perdu de leur potentiel comique. À 77 ans et toutes ses dents, Mike Nichols se montre plus mordant que jamais, lui qui a souvent fait preuve de mollesse par le passé. Si La guerre selon Charlie Wilson n'a rien d'un monstre de subversion, cette comédie politique souffle un vent de fraîcheur en des temps où les dirigeants du monde sont soit des rois du n'importe quoi, soit de sinistres parangons de vertu.
Pas sûr que La guerre selon Charlie Wilson contribue à éveiller les spectateurs aux joies de la géopolitique : à vrai dire, il y a des moments où l'on ne comprend pas grand chose, voire que dalle. Et pourtant, cela n'a jamais été aussi peu important, tant le film prête à rire, en tout cas à sourire, par le biais de son super politicien aussi roublard que déterminé. Finalement, on n'est pas loin d'OSS 117, même si l'humour est moins effrontément exposé que dans le délicieux petit film de Michel Hazanavicius. Et si Tom Hanks n'est pas Jean Dujardin, c'est pour une fois une bonne nouvelle, tant son côté vieillot et coincé crée un délicieux antagonisme avec la fantaisie de son personnage.
Moins fin mais aussi drôle que les précédentes oeuvres (notamment quelques séries en forme de joyau) d'Aaron Sorkin, La guerre selon Charlie Wilson est un charmant divertissant, loin d'être stupide mais pas vraiment culturel, qui vaut surtout pour ses seconds rôles : une Julia Roberts peu présente mais excellente en femme d'influence sans vergogne, et un Philip Seymour Hoffman toujours meilleur lorsqu'il se lâche plutôt que dans le cadre de prestations Actor's studio certes de qualité mais plus prévisibles qu'ici. On souhaite en tout cas à Mike Nichols de nous livrer encore quelques films de cet acabit avant de prendre sa retraite.
7/10

7H58 CE SAMEDI-LÀ

Malgré un Jugez-moi coupable assez sympathique, on ne pensait pas que Sidney Lumet serait capable de revenir à son niveau d'antan. C'était sans compter sur 7h58 ce samedi-là (ou plutôt Before the devil knows you're dead), polar brilant et bien ficelé qui ne peut que régaler les fans du genre. À la base, une énième histoire de braquage raté : sauf que le film commence par celui-ci pour ensuite s'intéresser aux raisons et aux conséquences de ce fiasco. Par le biais d'une construction complexe mais compréhensible (le film use de flash-backs, flash-forwards et points de vue subjectifs, mais n'oublie jamais de permettre au spectateur de se situer dans l'action), Lumet dissèque les quelques jours qui ont bouleversé la vie d'une famille américaine. 7h58 est une vraie tragédie familiale : les héros du film sont deux frangins qui décident de braquer... la bijouterie tenue par leurs parents. C'est cette particularité qui donne son sel au film. Longtemps, on croit que les seuls échanges de violence auront été ceux commis pendant le hold-up. Lumet se focalise sur la destinées de quelques hommes et femmes et se refuse à faire de son film une banale histoire de règlement de comptes.
La mise en scène est feutrée, les effets de style sont rares et mesurés, et le casting est tout bonnement prodigieux. Il convient de citer tout le monde, tant chacun des acteurs apporte énormément à son personnage. Philip Seymour Hoffman est encore meilleur que d'habitude en salaud de service, Ethan Hawke continue à se débarrasser de sa carapace d'ado un peu frêle, Albert Finney est un formidable père colère, et Marisa Tomei transcende idéalement son personnage de femme fatale. 7h58 ce samedi-là sang le sang, la sueur, la semence, et quand il vous chope, c'est pour ne plus vous lâcher. De la part d'un réalisateur de 83 ans, c'est tout de même un exploit prodigieux.
8/10