BLINDNESS

Plus qu'un film sur l'aveuglement, Blindness voudrait être un film politique et sociologique, sur la discrimination, la mise à l'écart, la lente putréfaction d'une société qui ne tire aucun bénéfice de ses chances de nouveau départ. Les objectifs sont clairement affichées, tout comme le désir de Fernando Meirelles de livrer une oeuvre visuellement travaillée afin de nous plonger dans l'angoisse de cette cécité soudaine. C'est vrai que c'est beau, les intentions, mais ça n'a jamais fait un film. Se basant sur une histoire originale et intrigante, Blindness tourne rapidement à vide, tant sa description du chaos qui enveloppe progressivement nos troupeaux d'aveugles semble schématique. On nage quelque part entre la vacuité d'Invasion et la prétention boursouflée de Dogville. Dommage d'ailleurs que Nicole Kidman n'ait pas interpété le rôle endossé par Julianne Moore, ça aurait fait une jolie trilogie du vide sidéral.
Impossible donc de prendre Blindness au sérieux dans les thèses qu'il tente maladroitement de défendre (et qu'on serait bien incapable de résumer, tant elles partent dans tous les sens). Mieux vaut alors prendre le film pour ce qu'il est réellement, c'est-à-dire une oeuvre angoissante, oppressante, film de zombies sans zombies. Là, Meirelles livre quelques scènes assez fortes rappelant le meilleur de Romero (et, plus récemment, le 28 jours plus tard de Danny Boyle). Avec notamment une courte scène dans un supermarché, où la pauvre Julianne Moore manque de périr sous les assauts de quelques morts de faim. En revanche, il échoue à faire naître l'angoisse, pourtant évidente, qui prend ceux qui deviennent rapidement aveugles. Visuellement, comme d'habitude, le réalisateur brésilien en fait mille fois trop, jusqu'à saturation. Comme les personnages, on finit par trouver le temps long devant un film qui avait une histoire forte à raconter mais qui s'empêtre dans une logorrhée verbale et visuelle qui l'affaiblissent considérablement. La belle interprétation de Mark Ruffalo et Julianne Moore n'y changera rien : Blindness, c'est beaucoup de promesses pour pas grand chose.
4/10

I'M NOT THERE

Quelques milliers de signes ne suffiraient pas à décrire par le menu ce I'm not there si riche, dense, complexe, et pourtant d'une lisibilité enfantine. Spécialiste des projets décalés (mais un décalage toujours sincère, jamais calculé), Todd Haynes s'est ici surpassé, tentant de retracer la vie de Bob Dylan par l'intermédiaire des histoires d'une demi-douzaine de personnages (ou plus), totalement dissemblables, mais ne formant qu'un : Dylan. Un petit garçon noir, quelques mecs, une femme, pour un puzzle fascinant et universel, évidemment rythmé par les chansons de Robert Zimmermann.
À vrai dire, il est assez difficile d'expliquer pourquoi le film parvient si facilement à imposer son style et son charme si particulier. Sans doute parce qu'il ne s'arrête pas à la surface d'un concept accrocheur (façon Todd Solondz dans le désespérant Palindromes). Et parce qu'il va encore plus loin, attribuant la part du lion à un personnage qui n'est rien de moins que l'acteur qui joue Jack Rollins, le personnage de Christian Bale, dans le film qui lui est consacré. Aucun rapport avec Dylan ? Si, évidemment. On a beau ne pas forcément connaître la bio du chanteur, on sent bien que tout nous amène à lui. Haynes a le bon goût de ne pas dévoiler toutes ses cartes en début de partie, refusant une bête construction de film choral pour mieux nous faire découvrir de nouveaux personnages à mesure que les bobines s'enchaînent. Ainsi, les fans de Richard Gere devront être très patients.
I'm not there, c'est six films en un, six pépites fondamentalement différentes les unes des autres, et qui englobent finalement l'ensemble du vocabulaire cinématographique. Les apparitions épisodiques de Ben Whishaw (dans le rôle d'... Arthur Rimbaud ?) sont aussi fascinantes que celles de Heath Ledger, qui livre une prestation plus "classique", moins directement ancrée à la destinée dylanienne. Mais la partie la plus fascinante est sans doute celle avec Cate Blanchett, qui se débarrasse de tous ses oripeaux d'actrice appliquée mais scolaire, pour livrer une interprétation absolument fascinante. Peu d'artifices, juste quelques manières empruntées à son modèle, et Blanchett devient Dylan. C'est la partie la plus biopic du film, mais elle ne cède jamais aux sirènes de la linéarité. C'est par la bouche de ce personnage, Jude Quinn, qu'Haynes fait vivre les états d'âme et l'ambivalence acerbe d'un type insaisissable. C'est là que l'on réalise que Control, récit de la courte existence de Ian Curtis par Anton Corbijn, est un tout petit film. Au moins six fois plus petit que I'm not there. Quand on voit cela, on se demande bien comment on a pu supporter les biographies linéaires de chanteurs dont on se moquait à moitié. À l'avenir, ce ne sera plus possible : le Last days de Gus Van Sant et ce petit bijou-là ont définitivement creusé la tombe de ce genre. Et pour cause : dans chacun de ces deux films, on ne voyait pas (ou presque) l'ombre d'un cheveu du musicien dont ils étaient censées parler ; pour un résultat inverse, celui d'avoir la sensation qu'on n'a jamais touché un grand artiste d'aussi près.
9/10

NEXT

Pour supporter Next, il faut entrer dans le film en ayant conscience qu'il s'agit d'un gros navet à 70 millions de dollars. C'est le seul moyen de traverser ces 90 minutes de solitude sans avoir envie d'agresser ses voisins de fauteuil (s'il y en a) ou de s'arracher les yeux. Alors, à condition d'être armé d'un féroce second degré, on peut réussir l'épreuve consistant à rester dans la salle jusqu'au bout.
Premier élément attractif : les cheveux de Nicolas Cage. Après une coupe à la Thomas Hugues dans le mémorable Ghost rider, ce cher Nick revient avec un complément capillaire digne de Patrick Juvet. À croire sa calvitie est subitement devenue un vrai complexe pour lui. Qu'il s'adonne à la magie, Nicolas bouge les cheveux qu'on lui a prêtés avec un vrai sens du rythme, comme dans une publicité L'Oréal. Dantesque.
Second pôle d'attraction : le scénario. Alors vous voyez, c'est un mec, il peut lire dans l'avenir, mais seulement les 2 (DEUX!) minutes qui suivent. Ça ne sert donc pas à grand chose, sauf à gagner au black jack. Et éventuellement à sauver le monde d'une giga explosion atomique perpétrée par de vilains russes. Après avoir fui la police pendant la moitié du film (il se refuse à les aider), ce qui permet au scénariste de torcher trois quarts d'heure inutiles, il se décide à combattre les méchants buveurs de vodka, et là, waow. Avec son super don, il peut savoir de quel côté la voiture va tourner, qui va lui tirer dessus, des tas de trucs cools. Reste juste à sauver sa petite amie (ceinturée par des tas d'explosifs vachement dangereux). Pas de panique, il a un plan d'enfer. Et que ça pète dans tous les sens, et que ça anticipe les gestes de l'ennemi, et que ça bouge ses cheveux. Du grand n'importe quoi.
Dernier gros point positif : la fin. Le twist final n'ayant jamais été aussi à la mode, les auteurs de Next (qui se sont vaguement inspirés de Philip K. Dick, le pauvre) ont décidé que le dénouement du film serait surprenant. Et en effet, il l'est. Ouais ouais. Sauf qu'il n'a aucun intérêt, aucune justification, rien de rien. C'est juste un rebondissement inattendu, aussi crédible que si je vous disais que dans Dangereuse séduction, en fait, c'est Halle Berry la meurtrière (pis quoi encore). Mais en encore moins crédible. À ce moment-là, la caméra s'élève dans le ciel, et on sent que ce dernier plan signifie "si vous êtes sages, il y aura un Next 2". On en tremble d'envie.
2/10

LES FILS DE L'HOMME

Une cervelle, un coeur et des tripes : voilà Les fils de l'homme, génial film d'anticipation réaliste, qui allie à merveille le fond, la forme et l'émotion. Première idée géniale : ne pas situer l'action du film en 2271, mais en 2027, dans un futur très proche. L'occasion de rendre le propos plus inquiétant (stérilité de l'intégralité de l'espèce humaine) et d'éviter une vision inutilement futuriste avec voitures volantes et androïdes. Le Londres de dans vingt ans ressemble furieusement au Londres d'aujourd'hui, l'anarchie en plus. Bienvenue donc dans un monde stérile dans tous les sens du terme, qu'une fin imminente a transformé en un lieu de barbarie et de rébellion, mais que la découverte d'une femme enceinte pourrait bien relancer pour un tour. Les fils de l'homme raconte la cavale de cette jeune femme, aidée par un bureaucrate désabusé qui n'a pas eu trop le choix.
Malgré ses aspects de course-poursuite avec scènes d'action à intervalles réguliers, le film d'Alfonso Cuarón offre une réflexion passionnante sur le sens de la vie et l'utilité de pérenniser à tout prix un monde dominé par le malheur. Sans envolées philosophiques déplacées ni prise de tête malvenue, le film fait preuve d'une intelligence rare.
Une intelligence qui se retrouve dans le traitement de Cuarón : réalisme à toute épreuve, caméra à l'épaule, et quelques plans-séquences absolument hallucinants. Avec virtuosité mais sans maniérisme (pas de mouvement de caméra inutile pour montrer qu'on est un réalisateur qui en a), le Mexicain laisse bouche bée. Certains de ces plans-séquences sont si réalistes, si maîtrisés, si bien foutus que l'on n'imagine pas un seul instant que cela puisse être du cinéma. Si si. À eux seuls, ils justifient la vision multiple d'un film qui a plus d'un atout dans sa poche. D'une violence froide mais jamais gratuite (rendue toujours plus impressionnante par cette mise en scène décidément incroyable), le film sait aussi se faire très touchant. On se met à la place du personnage principal (Clive Owen, surprenant) : quoi de plus beau qu'une femme enceinte, surtout lorsque c'est la première depuis dix-huit ans?
Tonitruant, frappant, saisissant, inattendu : décrire l'enthousiasme suscité par Les fils de l'homme nécessiterait encore une bonne quinzaine d'adjectifs. C'est en tout cas un film précieux qui marche sur les traces d'Orwell et Bradbury, un monument filmique qu'il faut aller voir à tout prix si l'on n'a pas peur de faire pipi sous soi.
9/10