MES STARS ET MOI

Il n'y avait guère d'illusions à se faire à propos de Mes stars et moi, deuxième long de la réalisatrice du calamiteux À la folie... pas du tout. Comme dans son film précédent, Laëtitia Colombani s'intéresse de près à une histoire de harcèlement moral, l'utilisant cette fois pour bâtir une comédie. Cette idée de voir un fan très collant subir la vengeance de ses idoles exaspérées avait quelque chose de potentiellement réjouissant : jeu de massacre, comédie de boulevard ou satire du monde du cinéma. Le résultat ne ressemble à rien de tout cela, exploitant péniblement un postulat pourtant bien mis en place.
Clairement, Laëtitia Colombani ne sait pas comment développer une intrigue et donner de la dimension à des personnages. Ceux-ci sont réduits à leur plus simple expression, condamnant les acteurs à cabotiner misérablement dès qu'ils ont une réplique intéressante à défendre. Ainsi, la petite guéguerre entre les actrices incarnées par mesdemoiselles (pffffrt) Deneuve et Béart, qui aurait dû être très amusante, crée finalement la consternation : mal servies par des dialogues niveau CP-CE1, les voilà contraintes à ouvrir des yeux ronds comme des billes pour montrer à quel point les vacheries qu'elles lancent sont shocking. Et niveau yeux ronds, elles ont certainement dû prendre des leçons auprès de Mélanie Bernier, l'insupportable candide de service, qu'on a envie de baffer du début à la fin. Seul l'insubmersible Kad Merad attire encore et toujours la sympathie générale, prenant un vrai plaisir à jouer les médiocres sans trop en faire.
Prévisible de bout en bout (après l'exposition des harcèlements pratiqués par le héros, on verra chacune des trois actrices se venger à sa façon, avant que tout le monde ne reparte mais dans la main), Mes stars et moi ennuie et énerve de plus en plus, tant on a l'impression de voir littéralement Colombani boucher les trous de son scénario avec des gags stupides et des ellipses nazes. Qu'on arrête donc cette manie de foutre un animal ronchon dans un film dès qu'on a peur de ne pas atteindre l'heure et demie règlementaire. Qu'on arrête aussi de prendre les femmes pour des chienchiens (chienchiennes ?) qui rappliquent dès qu'on leur offre un bouquet de roses, oubliant tout à coup tous les mauvais coups subis précédemment. Qu'on arrête de prendre les spectateurs pour des cons, tout simplement.
3/10

VINYAN

Si l'amour rend aveugle, la maternité rend complètement stupide. C'est en somme le message de Vinyan, deuxième film de Fabrice du Welz après le remarquable Calvaire. Il y avait quelque chose de salement intrigant dans la détresse de ce jeune couple persuadé qu'il peut retrouver son fils disparu alors que celui-ci a vraisemblablement péri noyé suite au célèbre tsunami de Phuket. Au début, le cinéaste belge décrit les illusions artificielles de ces deux êtres paumés, qui se racrochent à d'infimes espoirs alors qu'ils feraient mieux de faire leur deuil. La suite aurait pu être un long voyage initiatique vers un nouveau départ, une plongée dans la folie pure, ou pourquoi pas un film angoissant, sorte de Révoltés de l'an 2000 version birmane.
Il n'en est rien : du Welz propose un film contemplatif sur l'attente, admirable de façon ponctuelle tant il refuse tout efet de style ou stylisation dépourvue de sens, mais qui révèle bien vite sa vacuité totale. Pour Vinyan, tout se joue dans la dernière demi-heure : une conclusion brillante aurait pu permettre de revoir le film d'un tout autre oeil. Mais après une heure passée à patienter et à regarder sans émotion le couple se déliter et s'enfoncer dans le malheur, c'est malheureusement le manque total d'inspiration de l'auteur qui vient nous prendre à la gorge. Vinyan se termine un peu n'importe comment, laissant le spectateur à l'extérieur de l'histoire. Cette conclusion, pas vraiment risible mais franchement inintéressante, vient sceller le ratage d'un cinéaste ambitieux mais ici dépourvu de matière et d'esprit. La thèse de Du Welz, consistant à dire que l'instinct maternel est plus fort que tout, est illustrée de façon si schématique que l'on ne peut décidément pas y adhérer. Reste la belle prestation du duo Béart-Sewell, dont les regards bleutés et perdus dans le(s) vague(s) sont les plus belles attractions d'un film fichtrement décevant.
4/10

DISCO

Grisés par les 5 millions d'entrée d'un Camping assumant sympathiquement son statut de film beauf et populaire, Fabien Onteniente et Franck Dubosc ont remis ça. Disco entend surfer sur ce qui fut un phénomène de société et demeure aujourd'hui encore comme l'un des symboles récurrents de la nostalgie à la française. On espérait un hommage tendre à une culture musicale qui anima la jeunesse des quadras et quinquas ; Onteniente nous livre un film vulgaire et pas drôle, qui mise absolument tout sur la seule personnalité de Dubosc. Ce dernier n'étant pas vraiment aussi drôle que Will Ferrell, le ratage est complet.
Disco signe la faillite du système Dubosc, qui fut un temps un espoir de l'humour à la française avant de rapidement s'enfermer dans un seul et unique personnage et de ressasser encore et encore les mêmes vannes, comme une vieille cassette tournant en boucle. La vacuité du scénario met en avant les limites du bonhomme, qui n'a plus que quelques slips kangourou et autres tenues ringardes pour tenter de nous arracher un sourire. Pathétique. Et malgré l'abattage de quelques comédiens qui gardent miraculeusement la tête hors de l'eau (notamment Béart et Le Bihan, à l'origine des rares séquences supportables), on sera bien en peine de trouver un quelconque potentiel comique dans ce marasme. L'absence de gags (même mauvais) est criante, et la plupart des scènes sentent le remplissage.
Et l'esprit disco dans tout ça ? Quelques tubes pas trop démodés pour vendre des B.O., trois pauvres scènes de danse vite expédiées, et puis c'est tout. Onteniente n'exploite même pas à fond l'idée déjà vue mais souvent efficace du concours de danse. Mieux vaut revoir dix fois un Podium plus ambitieux et réussi sur tous les plans (comédie, disco attitude, portrait d'un ringard se cachant derrière sa passion) que de s'infliger ce sinistre spectacle qui ne manquera pas d'attirer en masse les fans transis d'un rigolo plus has been que les personnages qu'il défend.
1/10
(sortie le 2 avril)
(également publié sur Écran Large)

LES TÉMOINS

André Téchiné est un drôle de cinéaste. Parfois, ses films ont un aspect si futile jusque dans leur gravité qu'ils peuvent légitimement vous passer complètement au-dessus de la tête. D'autres fois, les films de Téchiné sont forts, graves, édifiants jute comme il faut, plus émouvants que jamais.
Les témoins appartient fort heureusement à la seconde catégorie. Entre l'été 84 et l'été 85, le metteur en scène raconte l'arrivée du SIDA, et comment elle influe sur les vies de ceux qui l'attrapent et de ceux qui y échappent. Cinq personnages et autant de points de vue ; mais Téchiné se refuse à faire des Témoins un bête film choral, où les scènes se juxtaposeraient se manière primaire. Foisonnant, imprévisible dans sa narration, le film épouse les regards de ses personnages, en favorise certains, puis les délaisse, avant de revenir à eux.
Il y a toujours un gros risque dans le fait de faire un film sur un thème aussi lourd que le SIDA. Téchiné a la bonne idée d'en parler sans en parler. La maladie n'est quasiment jamais au centre du film ; elle fait partie de la vie, la gâche, la raccourcit, mais n'est jamais vue comme une sorte de héros détestable. Les héros, ce sont nos cinq personnages, admirables car humains, écrits avec précision et amour. Si Johan Libéreau confirme tout le bien qu'on pensait de lui depuis Douches froides, c'est sans doute Michel Blanc qui se révèle le plus éblouissant, bouleversant dans ses silences et sa dignité.
Transcendant sa réalisation, Téchiné offre un film bourré d'ombres et de lumières, comme pour montrer que le mal est présent même s'il est invisible. Collant au plus près de ses personnages, usant parfois de ralentis imperceptibles, il les fait vivre comme rarement. Et rend éblouissant de sobriété et de retenue un film qui aurait pu n'être qu'un autre tire-larmes façon Nuits fauves. malgré son inconstance, André Téchiné est vraiment un cinéaste précieux.
8/10

LE HÉROS DE LA FAMILLE

Un travesti, un pédé, une stérile (ou pas), des cocus, des has-beens, quatorze mille secrets au mètre carré... Bienvenue au Perroquet bleu, cabaret tout pourri légué à une famille suite au décès de leur papy spirituel. Oui, ils vont s'entredéchirer. Oui, ils vont faire ressurgir des secrets. Oui, il y aura de la coucherie, de l'émotion, des paillettes, du mot d'auteur. Et après? Pas grand chose.
Thierry Klifa se pose en admirateur béat du cinéma français (Sautet, Anne Fontaine) et livre pour son deuxième film un hommage propre sur lui à ses modèles. Tout est bien à sa place dans ce Héros de la famille : dans leurs costumes bien repassés, les acteurs déclament avec soin leurs beaux dialogues taillés sur mesure. Un beau devoir bien scolaire qui aurait sans doute obtenu une bonne note si le but était de mesurer un savoir-faire. Manquent juste deux ou trois choses : un peu d'âme, du rythme, et de vraies surprises. Le héros de la famille est le genre de film choral qui ne laisse aucun espace à ses personnages, tant et si bien qu'on se fiche un peu de comment ils vont finir. Certains finissent exactement comme on l'avait imaginé, les autres se mettent à la colle deux par deux de manière un peu improbable, une bonne chanson sirupeuse par dessus le tout, et vous obtenez un bon film français comme on en fait malheureusement encore trop.
On pouvait s'attendre à un résultat de cette facture, et c'est d'autant plus dommage que Thierry Klifa avait réuni un beau casting. Mais de par un scénario pas très bien construit, chacun joue un peu de son côté, et les rencontres attendues n'ont pas lieu. Bizarrement, Klifa semble préférer ses acteurs mais ce sont les femmes qui emportent l'adhésion : Géraldine Pailhas, Miou-Miou et Catherine Deneuve sont à l'origine des plus beaux moments de ce Héros de la famille tout fade et tout raté. Ce n'est pas bien grave : on verra sans doute bien pire en 2007.
4/10

UN CRIME

Pour son deuxième film américain de suite, Manuel Pradal retrouve son grand ami Harvey Keitel pour un drame à la fois modeste et ambitieux sous forme de polar. L'argument est séduisant (bien que sans doute pas neuf) : parce que l'homme qu'elle aime est hanté par le meurtre non élucidé de sa femme trois ans plus tôt, une femme décide de lui fabriquer un coupable. C'est noir, vénéneux, possiblement tordu, mais Pradal et son coscénariste Tonino Benacquista n'ont apparemment aucune envie de tomber dans le film noir à tiroirs.
Comme son titre, Un crime est un film simple et discret, volontairement dépouillé quitte à devenir parfois simpliste. Pradal sait filmer et offre une promenade enivrante et parfois séduisante dans le New York actuel. La Grosse Pomme est d'ailleurs la vraie héroïne du film : vue par un Français, elle semble bien différente de ce qu'en font souvent les cinéastes américains. Il faut dire que s'extasier devant les plans new-yorkais du film évite de trop s'ennuyer : car à force de refuser tout rebondissement ou au moins d'accélérer progressivement le tempo de cete lente errance, Pradal largue un peu son monde, en offrant un tas de scènes pas franchement mauvaises mais à l'intérêt vraisemblablement limité. Et quand, sur la fin, la tension et l'adrénaline remontent, c'est bien joué mais c'est trop tard. Dommage pour les comédiens, excellents. Le duo Béart/Keitel, chaud et humide, aurait mérité meilleur traitement que ce film un peu trop léger pour tenir au corps.
5/10